Arxiu mensual: Febrer de 2016

El jo bixest

Micro-Bobhttps://www.youtube.com/watch?v=Av4BEIJO86o

 

Que acabe aquest febrer trist

que acabe

que vinga la primavera

dir adéu a l’hivern

besar el Sol

tocar el ponent suaument amb els dits

treure’s la llana.

Passar una pàgina.

Viure  la llum

sortint d’un mal d’óssos.

Somriure per dins

posar cara amable

oblidar el dolor i el fred.

El cor en 29 de febrer

un cor bixest

incòmodament anímic.

I la bellesa en una gota d’aigua

i l’acidesa en la punta de la llengua

i la meua pell esperant que l’acarones.

El meu funeral un 29 de febrer,

on se m’oblide tres vegades

que se’m recorde un dia cada quatre anys.

La fam de vida espentant al pit

i una llàgrima viva esvarant

com una petita mar salada

o un torrent entre els porus de la galta.

Estar trist, l’últim dia d’un febrer més llarg

és com acostumar-se a un mistral

que et despentina.

Com tindre l’ànima udolant entre les mans

desfent-se candela,

esperant un març

com un Ulisses irrecognoscible.

Volent aprendre molt,

saber més,

ser més,

anar a més,

com uns acords

d’una harmònica folk tocada per Bob Dylan.

Què vinga març i m’acomiade febrer.

Que no se’m glace més el pit

que vinga la flor, l’abella amb el seu pol·len

                                                       i la llavor.

LML 29/II/2016

Ressenya sobre Cohete Fernández per a Test 2016

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Foto: Borja Vizcaino

http://www.t-e-s-t.org/?page_id=611

CURIOSITAT QUIMÈRICA

«La curiositat va matar al gat», no obstant això és la clau del coneixement. Quan poses un peu en l’estudi de Cohete Fernández (Murcia, 1989) es despleguen els interrogants, un carnestoltes grotesc d’objectes recorden l’art naif d’Antonio Ligabue. Pateix de diògenes o és una comediant? Ni tan sols ho sap, diu «no sé», però, també diu «m’agrada». Desastrosament ordenada, la cambra recull una infinitat de coses dispars, plantes, porcellanes, espills, monges fotografiades, llibres estranys, antiguitats, peces del fem i un gat sense pèl. Un festí coratjós d’objectes disposats per a agradar arrepleguen la lletjor de la millor manera possible i en compte de repercutir pertorbadors, et fan sentir confortable, com si de la sala d’estar del Bosco es tractara, un lloc on poder relaxar-se sense deixar de guaitar els perills de la carn.

«M’anaven a posar Chantall, però em van posar Alejandra». Un nom magne que empremta una personalitat potent plena d’ambivalències com la seua obra, trànsit d’allò tendre i delicat a allò terrible i monstruós. Considera el dibuix com la base de l’expressió plàstica, emprant-lo com una ferramenta per traçar la seua cosmologia i ontologia imaginàries, per la qual cosa, podem dir que tota la seua obra és el resultat d’un exercici terapèutic de comprensió i introspecció. «Tota la vida fent monstres», generant éssers imaginaris com a resposta a les seues inquietuds, una festa evasiva i incessant de criatures fantàstiques que inquietarien a qualsevol psicoanalista.

Si recorrem la seua obra artística i remuntem tota la seua genealogia ens trobarem amb unes il·lustracions d’infantesa a tot color, ratlles geomètriques antropomòrfiques amb doble personalitat trist-contentes. La nostàlgia l’acompanya en el seu creixement i travessa tota la seua trajectòria. Si ens fixem en els seus inicis com a dibuixant, desxifrarem la innocència en traces redones i netes. Veja vosté, també, la desgràcia en «els espais imposibles» de tinta xinesa negra fondejada a un color per a donar raó a un sense-sentit vital.

Un llibre d’artista va ser la resposta de Cohete Fernàndez per a interrogar-se sobre per què volia ser il·lustradora. Deconstruint el seu procés creatiu es va autodiagnosticar «colorfòbia», possibilitat d’ofegament en gots d’aigua, impaciència i volatilitat (sense fons). Dibuixar per a Alejandra significa satisfacció, companyia i recreació; un joc a soles, on esdevenen realitats paral·leles del subconscient: «No m’enfronte a projectes, el dibuix és un projecte continu».

«Aprofitat la bogeria» i «focalitzar-la en joc»: jugar a tatuar, a modelar argila o porcellana, i si es vol, a cosir o fotografiar. A Cohete Fernández li interessa investigar lúdicament, així va començar a tatuar. Concep el tatuatge com un element creatiu abans que un ressort estètic-comercial. Art permanent en cossos per a recordar o rememorar conclusions. Així, dibuixa línies negres en les pells sense punt de retorn, amb la finalitat que les seues il·lustracions en cuir humà passegen pel món.

Quan juga a la quotidianitat fa fotos. Encara que no es considere fotògrafa, dispara ocasionalment, contrastant la consciència i la proximitat amb les seues il·lustracions oníriques i subconscients. Aquesta és la sort de la bogeria creativa per a l’artista murciana establida en la ciutat de València.

Despertar la curiositat, buscar allò contrari i distint. Emprendre una aventura quimèrica on el somni i la il·lusió siguen inabastables. En l’actualitat de Cohete Fernández el viatge artístic com a odissea no és suficient. El dibuix com a procés suposa un cost i un aprenentatge, un esforç fet línia que no és prou. Cal transcendir per a furgar en el turment, en la culpa i poder donar, així, les gràcies d’eixe esforç com a coneixement. És per aquest motiu que ara mira cap a l’edat mitjana.

Curiositat i quimera com a conceptes clau per a juxtaposar i realitzar impossibles, per a jugar a la transmutació alquímica, per afegir i multiplicar braços i caps. Inventar un macrocosmos biològic, cercar l’origen, allò màgic, investigar l’ésser androgin cabalístic i tornar a un feudalisme on s’inclou l’octau pecat, la tristesa. És així com Cohete Fernández ens catapulta al seu medievalisme estètic, oferint-nos una experiència visual d’allò més inquietant.

Letícia Marrades

                                                                                              *

CURIOSIDAD QUIMÉRICA

«La curiosidad mató al gato», sin embargo es la clave del conocimiento. Cuando pones un pie en el estudio de Cohete Fernández (Murcia,1989) se despliegan los interrogantes, un carnaval grotesco de objetos recuerdan el arte naif de Antonio Ligabue. ¿Sufre de diógenes o es una comediante? Ni siquiera lo sabe, dice , «no sé», pero también, dice «me gusta».

Desastrosamente ordenada, la estancia recoge un sin fin de cosas dispares, plantas, porcelanas, espejos, monjas fotografiadas, libros extraños, antigüedades, piezas de la basura y un gato sin pelo.

Un festín bizarro de objetos dispuestos para agradar recogen la fealdad de la mejor manera posible y en vez de repercutir perturbadores, te hacen sentir confortable, como si de la sala de estar del Bosco se tratara, un lugar donde poder relajarse sin perder de vista los acechantes peligros de la carne.

 

«Me iban a poner Chantall, pero me pusieron Alejandra». Un nombre magno que acuña una personalidad potente llena de ambivalencias como su obra, tránsito de lo tierno y delicado a lo terrible y monstruoso. Considera el dibujo como la base de la expresión plástica, utilizándolo como herramienta para trazar su cosmología y ontología imaginarias, por lo que podemos decir, que toda su obra es el resultado de un ejercicio terapéutico de comprensión e introspección. «Toda la vida haciendo monstruos», generando seres imaginarios como respuesta a sus inquietudes, una fiesta evasiva e incesante de criaturas fantásticas que inquietarían a cualquier psicoanalista.

Si recorremos su obra artística y remontamos toda su genealogía nos encontraremos con unas ilustraciones de infancia a todo color, rayajos geométricos antropomorfos con doble personalidad, tristecontentos. La nostalgia la acompaña en su crecimiento y recorre toda su trayectoria. Si nos fijamos en sus inicios como dibujante descifraremos la inocencia en trazos redondos y limpios. Véase, también, la desgracia en «los espacios imposibles» de tinta china negra fondeada a un color para dar razón a un sinsentido vital.

Un libro de artista fue la respuesta de Cohete Fernández para interrogarse sobre por qué quería ser ilustradora. Decostruyendo su proceso creativo se diagnosticó «colorfobia», posibilidad de ahogamiento en vasos de agua, impaciencia y volatilidad (sin fondo). Dibujar para Alejandra significa satisfacción, compañía y recreo; un juego a solas donde acontecen realidades paralelas del subconsciente: «No me enfrento a proyectos, el dibujo es un proyecto continuo».

 

«Aprovechar la locura» y «focalizarla en juego»: jugar a tatuar, a moldear arcilla o porcelana y si se quiere, a coser o fotografiar. A Cohete Fernández le interesa investigar lúdicamente, así empezó a tatuar. Concibe el tatuaje como un elemento curativo antes que un resorte estético-comercial. Arte permanente en cuerpos para recordar o rememorar conclusiones. Así, dibuja líneas negras en las pieles sin punto de retorno, con el fin de que sus ilustraciones en cuero humano paseen por el mundo.

Cuando juega con la cotidianidad hace fotos. Aunque no se considere fotógrafa, dispara ocasionalmente, contrastando lo consciente y cercano con sus ilustraciones oníricas y subcosncientes. Esta es la suerte de la locura creativa para la artista murciana afincada en la ciudad de Valencia.

 

Despertar la curiosidad, buscar lo opuesto y lo distinto. Emprender una aventura quimérica donde el sueño o la ilusión sean inalcanzables. En la actualidad de Cohete Fernández el viaje artístico como odisea no es suficiente. El dibujo como proceso supone un coste y un aprendizaje, un esfuerzo hecho línea que no basta. Hay que trascender para hurgar en el tormento, en la culpa y poder dar las gracias de ese esfuerzo como conocimiento. Para ello mira ahora al medievo.

Curiosidad y quimera como conceptos clave para yuxtaponer y realizar imposibles, para jugar a la transmutación alquímica, añadir y multiplicar brazos o cabezas. Inventar un macrocosmos biológico, buscar el origen, lo mágico, investigar el ser andrógino cabalístico y regresar a un feudalismo donde se incluye el octavo pecado, la tristeza. Es así como Cohete Fernández nos catapulta a su medievalismo estético, ofreciendo una experiencia visual de lo más inquietante.

Letícia Marrades

Ressenya de Las Culpass per a BoHo Magazine

http://www.bohomagazine.org/#!Las-Culpass-dise%C3%B1o-guerrillero-a-tijeretazos-de-punk/cp4o/59822189-91C3-4A5F-8B74-F4F8B62BDB00

Las Culpass: diseño guerrillero a tijeretazos de punk

Letícia Marrades

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Foto: Banzai Foto

Cuando la moda se resiste al patriarcado y la música punk suena de fondo, nos encontramos con la apuesta textil de las Culpass: una manera descarada de vanguardia estética para todo aquel que quiera vestirse sin renunciar al concepto tendencia con la ventaja de no tener que recurrir a los parámetros establecidos por el mercado y los cánones de belleza.

Una opción responsable para el consumo de moda sin la desmesura de las dualidades bello-doloroso o ajustado-femenino. Pura guerra para las pasarelas de la mano de Alexandra Cánovas del Rey y Martaé Martínez Martínez, una fusión de amistad e ideología compartidas que dan como resultado Las Culpass desde 2010 después de acabar sus estudios de moda y joyería respectivamente.

Desde entonces, hemos podido verlas desfilar en el festival South 36 32 N de Cádiz en 2012 y en todas las ediciones de Murcia Fashion Week y del Festival MmOD (Murcia Open Design). Así como escuchar su mensaje, en su primera aparición en escena, en una serie de microconferencias sobre distintas disciplinas en la IV edición de Pecha Kucha Night Murcia.

Y es que estas dos jóvenes diseñadoras murcianas luchan para que su campo de batalla sea crítico, compaginando su oficio con otros trabajos, desde la autogestión y el compromiso en las trincheras de la moda. Por ello, giran 180º acrobáticos y encienden el subwoofer o vuelta de tuerca de los tejidos, exigiéndole a la moda su grito feminista. Cuestionando las leyes del mercado, atrincheradas en su límite , pretenden que sus prendas de vanguardia lleguen a través de él con su mensaje antipatriarcal al mayor número de gente.

Las Culpass: diseño guerrillero a tijeretazos de punk, donde los sujetadores se convierten en bolsos y las cadenas de sus prendas rechistan de las imposiciones de un mundo convulso, que a su juicio, “evoluciona social, económica y políticamente a un ritmo inferior de lo que lo hace el pensamiento”.

http://lasculpass.bigcartel.com

Ressenya Banzai Foto per a BoHo Magazine

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(Arnau Ledesma i Natzo Martínez Hermoso)

BANZAI FOTO: fotografía kamikaze

Letícia Marrades

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De la mano de Natxo Martínez Hermoso y Arnau Pascual Ledesma llega el eufórico despropósito fotográfico Banzai, un proyecto descarado al grito de ¡viva!. Estos dos jóvenes valencianos entre copas y flashes siempre se atreven con nuevas perspectivas. Con numerosas intervenciones en el terreno de la moda, proponen dípticos bizarros para acompañar a las modelos de Bibianblue en la Fashion Week de Valencia o modelos decapitados sobre taquillas para la última colección de Las Culpass. Estos dos kamikazes de la foto salen a la carga sin pensárselo dos veces, des de la improvisación surgen de sus disparos imágenes a modo de suicidios honrosos como los dos seductores encapuchados de Ponme Otra.

Tal y conforme confiesa este dúo, les gusta comer picante con omeprazol, en los ambientes más canónicos del tipo pasarela prefieren apuntar donde les dé la gana cual requerimiento. Simpre  exigentes, incluso en escenarios de lo más undergrounds, sus manías en función de mandato sirven para inmortalizar a la performer del postporno María Bala con bello masculino en el pecho o a los pintorescos boxeadores de La Criatura.

Pero no podemos dejar de hablar de Banzai sin referirnos a sus trabajos en la foto fija, sus aportaciones en numerables cortos y spots recogen toda una colección de foto promocional, así como los retratos de Ana Torrent en el corto de Ryu Media, La Ropavejera, o de Juanjo Artero en Un millón.

Y por supuesto, mencionar su participación vinculada a la gastronomía en el blog La rotativa o su colaboración con la web Plateselector. Tal vez su amor a la comida refleje en sus fotografías la pasión que sienten por la misma, ambos sibaritas del comer y del buen beber.

Banzai foto, tándem fotográfico siempre a la carga, con pan y vino, flashes y cámara, kamikazes de la percepción.

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Resseya Verónica Francés BoHo Magazine

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VERÓNICA FRANCÉS. Un diálogo con el espectador.

Per Letícia Marrades

Arte introspectivo y diálogo con el espectador: estos dos ingredientes configuran el cocktail creativo de la artista visual y miembro del AVVAC, Verónica Francés (1983, Valencia). Interdisciplinarmente, desde la performance, la fotografía, el dibujo y el videoarte, Verónica Francés despliega sus procesos de investigación artística sin dejar desatada ni una sola imagen de la crítica y  la reflexión.

A Verónica le interesa el “proceso” comunicativo del arte, pues rizomáticamente este mismo va a ser factor clave para hallar los distintos útiles de transmisión, es por ello que a cada proyecto le corresponderá un lenguaje visual concreto. Si en Video-llamada-acción (2011-2013, Concreta 0.3, primavera 2014) nos encontramos con una cadena de performances emitidas por Skype  respondidas con una creación de la mano del receptor para analizar así el proceso de comunicación horizontal entre artista y espectador; en su trabajo fotografico Clar que sí (2011) nos encontramos con la crítica a través de la ironía de las políticas de maquillaje, gracias a personajes en parajes incómodos acompañados de textos que hablan de un  indiscutible estado de bienestar. Pues para Francés, como para Rancière tanto el arte cómo la política son dos herramientas para crear ficción.

La concienciación alrededor de las dificultades laborales de los enfermos crónicos también encuentra su discurso en la obra artística de Verónica, esta vez mediante la video-acción a través de la Cátedra de Arte y Enfermedades de la Universidad de BBAA de la UPV, en un intento de sensibilizar y crear consciencia de los problemas a los que se enfrentan a diario los enfermos de Crohn y de Colitis ulcerosa en sus puestos de trabajo.

Su compromiso con la investigación artística la lleva al museo, donde observa y reflexiona. Aprovechando un puesto como asistente de sala realiza experimentos interviniendo sutilmente los espacios del museo, comúnmente auratizados como  lugares sagrados para analizar este común fenómeno cultural: del sacro organismo del arte. Si nos fijamos en las ilustraciones de Diario de sala (2014), comprenderemos la mirada del flâneur de las galerías institucionalizadas.

Introspectivamente el videoarte,  Allium ampeloprasum  (2013), o la performance, Hoy fué domingo (2010) alivian la vida de la artista valenciana. Las reconstrucciones metafóricas del pasado como instrumento terapéutico y la idea de dolor para superar el dolor de Gina Pane son para Verónica dos ases en la baraja para saldar duros momentos de su trayectoria vital.

El arte interroga al arte a la manera de Francés descendiendo a las raíces de la academia. A mesa puesta (2014) invita a cuestionarse la posición del artista quién sirve su arte a toda una amalgama de consumidores. Desde la universidad o museo, desde la posición de espectador o comisario todos disfrutan de la obra artística y la consumen, menos el artista relegado a un estatuto servil, muchas veces no remunerado.

Su necesidad de proyectar para elaborar trabajos artísticos de investigación e introspección, asiduamente sin un apoyo económico o remuneración, llevan a Verónica Francés a sumergirse de lleno en Acción de supervivencia 1 (2015), la vigente empresa en la que se plantea nuevas formas de sustento y denuncia de la situación de precariedad en la que viven los artistas. El presente affair supone invitar a comer a Verónica a cambio de un dibujo sobre la quedada para el anfitrión. Pero no nos olvidemos, el quid de la cuestión está en el proceso, y la experiencia artística se resolverá como reflejo emocional en el blog de la artista.

 Letícia Marrades

Entrevista a Letícia Marrades, revista Verlanga

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Entrevista revista Verlanga

Un precioso (y muy acertado) texto de la cantante Eva Dénia sirve de prólogo a “Gats al terrat”, poemario de Letícia Marrades, con fotos de Arnau Pascual Ledesma, y publicado por la joven editorial online Libristic. Unos versos que beben directamente de Vicent Andrés Estellés; que crecen impregnados de la cotidianidad que les rodea y que tienen un especial recuerdo para todos aquellos jóvenes que salieron a la calle en lo que se conoció como Primavera Valenciana. Este jueves, en el Kaf Café, de Benimaclet, es la presentación.

¿Cómo surge el proyecto “Gats al terrat”?
(Leticia) Surge a partir de mi lectura del “Llibre de meravelles” de Vicent Andrés Estellés, que en ese momento estaba, también, estudiando con más profundidad en clase. Y me dije a mí misma, “ostras, esta receta funciona. ¿Y si yo pudiera cocinar algo parecido?”. Y entonces, me atreví a trabajar desde el modelo de tríptico estellesià, que se plantea en el libro. Yo ya tenía cosas escritas que pensé que podían servirme para lo que sería “Gats al terrat”, pero conforme pasaron los días fui añadiendo versos y quitando, y surgieron otros. Es todo bastante espontáneo, porque está, prácticamente, escrito en terrazas de Benimaclet, en los tejados,  y algunos de ellos en el Kaf Café.

Los poemas van acompañados de fotografías de Arnau Pascual Ledesma. ¿Fueron hechas adrede para el poemario?
Arnau tiene un archivo muy vasto y variado de fotografías que, a mí, me apetecía recoger para darle más vida al poemario. La mayoría de ellas sí que son fotografías que ya estaban en un archivo, pero hay algunas que están hechas adrede para el libro como, por ejemplo, los fondos de algunas páginas.

¿Cómo definirías tu poesía?
Yo creo que escribo de la misma manera tanto la prosa como la poesía. Yo no sigo ni la métrica, ni la rima. Me dejo llevar. Y en ella hay, también, una reminiscencia filosófica porque no me puedo quitar el peso de haber estudiado Filosofía. Es algo que siempre me acompaña. Escribo, sobre todo, para mí, pero cuando uno crea, tiene que compartir.

Portada Gats al terrat - Leticia Marrades001

Casi todos los poemas del libro van precedidos de unos versos de otro poeta, ¿es un homenaje a esos autores, una declaración de principios o una intención de situar al lector ante lo que va a leer?
Cada vez que empiezo un nuevo epígrafe trabajo con Ausiàs March, que es parte de la receta estellesiana. Esos versos son parte del proceso de inspiración a la hora de escribir. Yo ahora leo a Salvat Papasseit, y si me sugiere una idea, yo la tomo y la reciclo. Eso también lo hace Vicent Andrés Estellés. De hecho el propio “Llibre de meravelles” tiene que ver con el “Llibre de meravelles” de Ramón Llul. ¿Qué pasa? ¿Plagiamos? ¿Mimetizamos? Pues sí, vaya, es una manera de crecer. Tú ves algo que te interesa y te lo apropias y luego, de alguna manera, lo devuelves. Casi todos los poetas que yo recojo son poetas de la posguerra, pero también tenemos a Maria Josep Escrivà cuyas lecturas son muy inspiradoras para mí.

Como ocurre con parte de la obra de Estellés, “Gats al terrat” tiene un aire melancólico, como de añoranza, pero a su vez es tremendamente vitalista.
“Gats al terrat” tienes escenas muy decadentes, pero también tiene muchos toques de buscar una salida, de lo vital. Esto sería muy nietzscheano, lo de retomar el vitalismo. Para mí el gato es un icono vitalista, como el gallo para Joan Vinyoli. Un icono de cambio, de atreverse a pensar de otra manera, de fugacidad.

Siguiendo con el símil con Estellés, son los tuyos unos versos muy impregnados de cotidianidad.
Somos nosotros y nuestras circunstancias, como diría Ortega. Y sin mis vivencias no podría escribir. Tampoco pretendo idealizar nada. De hecho, voy cada vez más a la crudeza. Y en la crudeza hay tanto tristeza como optimismo. Y es una cosa muy interesante para mí trabajar desde esta perspectiva.

¿Qué estas escribiendo ahora?
Este libro se gesta en 2010, se acaba de armar en 2011, se retoca en 2012 y se publica en 2013. Pero de alguna manera crecemos y ahora, en lugar de estar más cercana a Estellés, me arrimo más al surrealismo de J.V.Foix. La verdad es que estoy haciendo cosas más atrevidas. Ahora estoy trabajando más prosa poética, casi automática, muy instintiva, me estoy dejando llevar mucho. Yo de normal suelto lo que me viene a la cabeza, hay una revisión gramatical y ortográfica, pero no de estilo. También estoy trabajando el estilo haiku, que es muy breve y muy condensando. Me dejo estimular por muchas cosas. Me puede salir un poema escuchando a Ovidi Montllor, pero también me puede salir oyendo a The Brian Jonestown Massacre.

Teniendo en cuenta que “Gats al terrat” es un libro digital, ¿en qué consistirá su presentación?
Claro, presentar un libro digital puede parecer un poco ambiguo. Será un recital poético. Si todo funciona bien se proyectaran las imágenes de Arnau Pascual. Y me acompañará un contrabajista que hará una improvisación pactada sobre mis versos.

“Gats al terrat” se presenta el jueves, 18 de abril, a las 20’00h, en el Kaf Café de Benimaclet.

Cohete Fernández en BoHo Magazine

Ressenya sobre Cohete Fernández per a BoHo Magazine

EL UNIVERSO DE COHETE FERNÁNDEZ

Letícia Marradeszorra

Ballenas, langostas, medusas, icebergs y zorras heridas: el universo de línea de Cohete Fernández invita a pintarte el cuerpo con sus tatuajes, decorar galletas de vinilo con sus tipografías o descubrir metáforas ilustradas de criaturas imaginarias sin pies ni cabeza. El modus operandi de esta joven ilustradora murciana se divide en dos vertientes, la dedicada al encargo para el tattoo con su estilo personal e inconfundible y la más introspectiva donde plasma sin reflexión previa manchas negras en tinta china, lugares sin salida y arquitecturas imposibles. Dibujos espontáneos y agradables que resuelven relatos oscuros, pesadillas o “malas bromas” a modo de lucha entre el bien y el mal.

Es así cómo Cohete Fernández nos sorprende por su polivalencia artística y por su punto de vista donde, a veces, lo grotesco hecho tinta se transforma en atractivo para el ojo. De esa suerte lo feo se convierte en bello llenando de vida una realidad de colores sórdidos, reducida en ocasiones a simples puntos: una  ilustradora fresca para dibujar el mundo y tatuar los cuerpos.

Letícia Marrades